El próximo domingo 2 de abril se estrena la marcha lágrimas de Soledad.

El compositor valverdeño Mario Charneca Contioso, ha creado una marcha para la Soledad que interpreta la banda de Beas en un concierto a celebrar en Beas el próximo 2 de abril a partir de las 13h.

Mario Charneca ha creado esta composición que aquí en Valverde tendremos la oportunidad de escuchar el viernes santo cuando esta agrupación musical la interprete tras el palio de María Santísima de la Soledad. Enhorabuena al compositor, a la banda y a la Hermandad de los negros por esta aportación a la música y al sentir de nuestra semana Santa.

 

El cantante valverdeño Manuel Cabello esta actualmente participando en el Casting de La Voz

Actualmente ocupa una posición bastante importante ya que se encuentra entre los 20 primeros del RANKING y todos podemos con nuestro voto ¡hacer que suba posiciones votando por él en el siguiente enlace! "Es muy Fácil. Sólo teneis que buscarlo por Manuel Cabello y darle a VOTAR"

 

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¡Mucha Suerte Manuel!

Para la presente ocasión, he decidido recordarles un trabajo que llevé a cabo en la primavera de 2013 y que posteriormente fue publicado en ValverdeDIARIO el 14 de febrero de 2014. Esta pequeña aportación literaria-musical, reúne ya once mil visitas y aunque muchísimas de ellas no sean reales (muchos abandonan su lectura nada más empezar), me da que pensar que merece la pena seguir haciendo lo que me lleva empleando desde hace algunos años. Espero que resulte de vuestro agrado, sobre todo para aquellos que no habíais tenido ocasión de leerlo con anterioridad. Muchas gracias.

 

LA MÚSICA, ESE ARTE QUE NACE Y MUERE EN EL SILENCIO

“Donde quiera que estemos, lo que oímos es fundamentalmente ruido… Cuando lo ignoramos nos perturba. Cuando lo escuchamos nos resulta fascinante.”  (John Cage)

Mis recientes y últimas audiciones de conciertos en directo me han impulsado a tratar un tema: Música y Silencio que desde hace mucho ocupa mi atención pero que siempre pospongo para mejor ocasión.

El término silencio, como multitud de palabras de nuestro vocabulario, proviene del latín silere que significa: callar, estar callado.

Pero… para el ser humano, ¿existe el silencio absoluto?. Al parecer no, al menos eso fue lo que le demostraron al compositor americano autor de la cita que encabeza este asunto que por cierto, estaba muy interesado en este tema. En la Universidad de Harvard tuvo lugar la demostración y para ello, lo metieron en una cámara totalmente aislada sin reverberación y que se suele usar para experimentos relacionados con la acústica. Cage observó que escuchaba en esa cámara, un pitido agudo y un zumbido grave. Le explicaron entonces que el pitido agudo era el sonido que provocaba su tensión nerviosa y el grave el de su circulación sanguínea. Llegó al convencimiento que el silencio absoluto no existe para los humanos y que éste es sinónimo de inmovilidad y de muerte.

Pero… todos sabemos que sí existen los silencios “relativos”, a partir de ahora, a ellos me referiré. Silencio y Música (sonidos) son dos conceptos de los muchos que existen en la vida que en una primera lectura parecen antagónicos pero en el fondo son complementarios como les ocurre a los de memoria y olvido entre otros. Para cualquier música, el silencio (ausencia de sonidos) es tan importante, a veces incluso más, que el sonido de las notas musicales. El silencio posee un enorme valor expresivo, tanto en la melodía como en la polifonía, en la música instrumental como en la vocal; esa pausa sonora (que llaman los alemanes) nos atrae, nos llama la atención, nos inquieta y nos aproxima más al discurso sonoro.

¡Qué gran paradoja musical!, el sonido y su inevitabilidad, no podemos dejar de oír, y sin embargo uno de los más importantes elementos de los que dan significado al uso de los sonidos es su ausencia (el silencio).

La Música, necesita del silencio por partida doble, me explico: por una parte lo necesita como materia prima tan importante como los sonidos y precisamente por esto, llegó el momento que el silencio adquirió el mismo protagonismo que las figuras musicales que dan nombre a la duración de los sonidos y de este modo, tenemos: silencio de cuadrada, redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa. Pero la Música también lo necesita desde el punto de vista del marco de su expresión como Arte que es y en este sentido lo requiere: Antes, Durante y Después de la interpretación musical lo mismo que una escultura necesita de un espacio por citar otro ejemplo obvio.

Es esencial por tanto el uso del silencio en la música; un descanso en una sucesión de sonidos es agradable y un momento de silencio tras un acorde musical de tensión, es increíblemente bello. Esto que afirmo, lo sabía a la perfección el genio Beethoven y lo manejó con un arte asombroso a lo largo de su extraordinaria carrera como compositor. Un ejemplo lo encontraremos en su famosa Novena Sinfonía, en la archiconocida parte coral del último movimiento, la sucesión de melodías así como el camino que sigue el maravilloso poema de Schiller, nos lleva a un momento culminante: se trata de un acorde monumental en el que la orquesta y el coro al unísono, emiten la palabra “Gott” (Dios). Pero, no es el acorde lo que nos produce la increíble sensación de arrobamiento estético así como de poder que nos transmite Beethoven. Probablemente, ese acorde no sería nada si al momento, se produjera una resolución del mismo o sea, una relajación tras la tensión.

Beethoven, gran conocedor de la psicología humana, sabía perfectamente que lo que más podía “tocar” el corazón de los hombres era precisamente el silencio y ese gran silencio después del gran acorde hacen que la tensión resuene en nuestras cabezas y corazones sin hueco para el olvido y por supuesto, logró lo que pretendía que posteriormente la musicología ha estimado llamar Silencio Trascendente.

Parecida técnica de composición, aplicada a circunstancias diferentes a tenor del momento y de la arquitectura musical de la pieza en cuestión, darán lugar a denominaciones de silencios: de presentación, de tensión, de preparación, de expectación, de lamento y de continuación.

Hasta aquí, he tratado brevemente del uso que la Música hace del Silencio para, junto con los sonidos afirmar su vocación de arte sonoro; pero en el espectro de esos silencios “relativos” que mencionaba al principio, son una parte importante los que implican a los oyentes o público receptor de cualquier música y precisamente en eso me quiero detener ahora.

Decía Antonio Muñoz Molina en su artículo de opinión recogido en la revista musical Scherzo (abril 2013) lo siguiente: “A uno le gustaría a veces que quienes aprecian tanto la Música apreciaran un poco más el silencio. El silencio alrededor de la Música (antes, durante y después) importa tanto como el espacio tipográfico en blanco alrededor de un poema”.

Los gestos previos o forma de mirar de un director musical o intérprete, nada más aparecer en escenario, nos invitan a los oyentes a observar ese clima de ausencia sonora necesario para advertir el comienzo de la Música, ese arranque de algo donde no había nada, la primera nota del primer compás diríamos que aún fronterizo. Igualmente, hace falta silencio para captar con toda plenitud las respiraciones y pequeñas pausas instrumentales y por supuesto para diferenciar los diferentes movimientos o partes de una compleja composición musical. Y… más silencio aún para cobrar la auténtica conciencia del final de una obra, para permitir que la resonancia se vaya apagando lentamente en nuestras conciencias y nos permita distinguir claramente el antes y el después, la diferencia entre el refugio interior de la Música (siempre íntimo) y lo cotidiano del mundo exterior.

En este último aspecto, sobre la observancia del silencio trascendente (el del final de una obra musical), hay verdaderos profesionales de la Música que actúan con una fuerte vocación pedagógica; uno de los que más llama mi atención como seguidor de este arte es Claudio Abbado. Casi todas sus interpretaciones, cuando llegan a ese punto, van acompañadas de una gesticulación siempre sobria y anticipadora del recogimiento y quietud necesarios para permitir: al público, a sus compañeros de interpretación e incluso a él mismo que la obra consumada repose conforme a las leyes de la naturaleza y por esta razón, aunque algunos no lo entiendan e incluso lo tachen de “divo”, se niega a girarse de inmediato al público para recibir su veredicto hasta transcurridos uno o varios minutos cuando las vibraciones finales se han disuelto por completo y la reverberación sonora ha finalizado su cometido acústico en la sala en cuestión.

Coincidirán conmigo en que escasas veces (tratándose de conciertos en directo y del estilo que sea) podemos disfrutar con plenitud de este bello y necesario momento al que me estoy refiriendo; lamentablemente, lo normal, es que comencemos a manifestar nuestro acuerdo o desacuerdo con lo que acabamos de oír sin haber concluido ese espacio de tiempo que ocupa el llamado silencio trascendente; bien con palmas, toses, bravos, etc., algunos, producto de las prisas de esta sociedad a la que nos debemos, cuando llega ese momento, se encuentran ya en la calle habiéndose privado y contribuido a que nos privemos otros, de una de las partes más importantes de la obra musical por excelencia.

 

Pero, aunque un personaje como Abbado y otros profesionales similares, se afanen en ejercer de pedagogos del silencio para que emisores(intérpretes) y receptores (oyentes, público) disfruten de las músicas que el mundo nos ofrece; otros, los manipuladores del arte, los que sólo entienden de especulación y ganancias millonarias, utilizan los recursos técnicos para amplificar los sonidos y de este modo acaparar en los conciertos a miles de personas que llenarán sus arcas siempre sedientas de suculentas ganancias y con este proceder harán un flaco favor a la educación por el silencio ya que está más que demostrado que mientras más potente es el sonido, más favorece la aparición de ruidos extraños. Observen a estos efectos cómo en la música sinfónica por citar un ejemplo muy claro, cuando intervienen los metales y percusión con todo su rigor, es precisamente cuando más se contamina el silencio.

Puesto que estamos rodeados de una sobreabundancia de aturdimientos sonoros ¿no deberíamos esforzarnos en aprender a disfrutar del temperamento de los silencios?.

El silencio lo contiene todo: pasión, expresividad, calma, indiferencia, tensión, relajación, sorpresa, vacío, plenitud y previsión.

Recapacitemos sobre cuánto podemos enseñar y aprender fomentando el silencio y facilitemos esta bella y noble tarea, seguro que mejoraremos como seres humanos y de paso seremos mucho más felices en nuestras vidas.

Como final os dejo con esta imagen de Abbado a escasos meses de su fallecimiento.

 

                                                                           Invierno 2017.

El próximo marzo, días 2 y 11, tendrá lugar el doble debut de Lucas Macías Navarro como Director de Orquesta.

Dos ocasiones más para seguir avanzando en ese inacabado camino del aprendizaje continuo.

Para seguir, en esta para él nueva disciplina artística, el mismo patrón que han seguido la mayoría de los que en su día se consagraron.

Desde abajo para llegar arriba, si es posible, con los mejores argumentos.

Estamos seguros, dada su experiencia musical, que esta será su filosofía en esta nueva profesión  que un día soñó conquistar.

 

Como muestran las fotos: el Auditorio de Galicia en Santiago de Compostela será la primera cita (día 2) y el Palau de la Música en Barcelona le tendrá el sábado 11 de marzo.

 

Como de costumbre, desde esta web, deseamos a Lucas un doblete de éxitos en Galicia y Cataluña.

 

La Real Agrupación Artística presente en la Función principal de la Virgen de las Angustias de la Hermandad de los Estudiantes de Sevilla.

Ayer se celebro en Sevilla, en la capilla de la antigua Fábrica de Tabacos hoy sede de la Universidad, la función Principal a María Santísima de las Angustias de la Hermandad de los Estudiantes que fue cantada por la Real Agrupación Artística de Valverde del Camino poniendo así la nota musical a tan señalado acto.

La Real Agrupación Artística, nuestra Coral, desde sus inicios ha sido protagonista de la Semana Santa de Sevilla cantando en innumerables actos relacionados con la Cuaresma sevillana.

 

VOCES QUE DEJAN HUELLAS EN EL CORAZÓN Y MEMORIA MUSICAL DE LAS PERSONAS

“La música, sobre todo, tiene que golpear el corazón”  (Carl Philippe E. Bach)

No olvidaré la fecha: 13 de abril de 1.976, han pasado ya cuarenta años pero la experiencia sigue vigente en mi corazón y en mi memoria musical. En la catedral de Sevilla, un año más en la fecha citada, se interpretaba el histórico Misserere de H. Eslava. En el programa un contratenor, José Foronda quien se encargaría de dar vida al famoso “Amplius” que contiene la partitura. Las especiales cualidades tímbricas así como sus registros,  en este tipo de voces, me proporcionaron cierto “enganche” que en los últimos tiempos va a más con estos artistas a consecuencia de la refinada calidad de los mismos.

Hace unos años, mi hambre por oír contratenores sufrió una dosis de sobrealimentación.  Insinué a la Jefa de Producción del Teatro de la Maestranza de Sevilla , persona con la que tengo una excelente amistad, la posibilidad de programar alguna temporada un concierto con alguna figura relevante de esta especialidad vocal.

La respuesta de mi amiga no pudo ser más eficaz, al poco tiempo de nuestra conversación podía contemplar en la programación, concretamente el 21 de marzo de 2015, un recital de Philippe Jaurossky acompañado por el pianista Jérome Ducros. Para ser sincero, hubiera preferido un concierto del mismo intérprete con acompañamiento de ensamble barroco pero comprendí, que en tiempos de crísis, ese tipo de evento escapaba a las posibilidades de los organizadores por su elevada cuantía.

El para mí, tan señalado día del concierto, me llevó  dos horas antes del mismo a las inmediaciones del Teatro y mi gran sorpresa fue como hacia el lugar en el que me encontraba, se acercaba un coche de caballo sevillano con mi admirado Jaurossky de viajero. Tuvo la gentileza de atender mis requerimientos y bajándose del coche me concedió la oportunidad de charlar un ratito (por cierto, en perfecto español) y hasta concederme el presente recuerdo en forma de foto:

 

 

 

Nunca imaginé que un “divo” como Philippe pudiera ser tan asequible y sencillo, esto le honra porque ya está bien de personajes, que por el simple hecho de hacerlo muy bien en un escenario, se creen superiores al resto de los humanos, incapaces de aceptar las cargas que como consecuencia de su popularidad trae consigo el éxito.

Eludo entretenerles con datos históricos sobre los contratenores porque considero que los más interesados pueden obtenerlos fácilmente de cualquier enciclopedia musical o vía internet pero si considero importante manifestar la gran acogida que los aficionados han dispensado a estas voces desde finales del siglo XX hasta el día de la fecha. Naturalmente, esta acogida no es gratuita, se debe a la gran calidad de las voces que en los últimos tiempos han surgido, figuras como: Dominique Visse, Aris Christofellis, Paul Esswood, James Bowman, Andreas Scholl, David Daniels, Alfred Deller, Brian Asawa, René Jacobs, Carlos Mena y cómo no!... mi admirado Jaurossky han venido y vienen a resurgir una muy buena música (fundamentalmente la barroca) que llevaba demasiado tiempo inactiva en las empolvadas estanterías de los archivos musicales.

Y, el futuro de este género, se presenta bastante alentador porque muchos de los excelentes intérpretes antes citados, han creado ya sus propias escuelas de canto y están comenzando a dar excelentes resultados en el ejercicio de la docencia.

Una vez más, concluyo invitándoles, si tienen conexión a internet a entrar en la página de youtube para disfrutar del maravilloso trabajo de estas voces tan singulares y poco masificadas. Puede que sus oídos y sus emociones lo necesiten por ello, háganme caso y no les nieguen este placer.

 

 

                                                                       José Manuel Macías Romero

                                                                       Verano 2016

LA EXPRESIVIDAD GESTUAL EN EL MUSICO, ALGO INDISPENSABLE PARA TRANSMITIR EL MENSAJE CON ÉXITO

“En los lugares suaves y tristes, el músico debe convertirse en suave y triste. Su propia expresión será suficiente para hacer escuchar y ver al auditorio.”(Carl Philip E. Bach, siglo XVIII)

La experiencia nos dice que, los conservatorios o escuelas de música, nos enseñan a tocar los diferentes instrumentos y a conocer sus recursos técnicos para una interpretación correcta pero, no enseñan nada sobre la presencia del músico en escena ni del repertorio gestual expresivo para que el mensaje llegue a los posibles oyentes lo más claro posible y lo que es más importante, con la carga emotiva adecuada para hacer “vibrar” a los destinatarios del mismo.

A finales del siglo XIX y principios del XX es cuando se empieza a tomar conciencia y poner remedio a este déficit expresivo musical. Fue Gustav Mahler uno de sus más destacados impulsores con el fin de dar credibilidad y autenticidad a toda la bibliografía operística de la época; no olvidemos que antes de que Mahler iniciase este nuevo enfoque, los actores vocales  en las óperas,  eran meras estatuas en escenas, correctos en las emisiones y entonaciones de notas pero petrificados e inmutables en el escenario. Cuando intervenían los coros, más de lo mismo, bellas fotografías carentes de plasticidad. Con este panorama, resultaba igual de interesante quedarse en casa para oír  el concierto por radio que ir al teatro para presenciarlo, en ambos casos faltaba el poderoso ingrediente de la riqueza gestual expresiva.

Las pretensiones de Mahler por un espectáculo “total”, hicieron que naciera una figura hasta entonces desconocida: el director de escena (finales de 1800 en adelante). A falta de una escuela de expresión gestual, comienza a ser responsable de este cometido el director de escena. Todo bien, pero pensado para mejorar expresivamente a los intérpretes de voces, el resto, los portadores de instrumentos musicales, seguían siendo en todos los escenarios hombres o mujeres de piedra detrás de un instrumento, incapaces de dar rienda suelta a su expresividad corporal conforme a sus propias emociones interiores y acordes con las obras que ejecutaban.

Hasta la sociedad musical de la época , estaba autocensurada hacia todo lo que fuese movimiento expresivo del músico en escena; hasta el punto de que se ridiculizaba e incluso marginaba a todo aquel intérprete que intentaba transmitir poniendo además de su sonido su cuerpo y sus gestos de forma sincronizada al servicio de la obra musical. En la sociedad de mediados del siglo XX, se criticaba con rigor a quienes con una: flauta, viola, clarinete, violin, etc., exhibían en el escenario algo más de los movimientos y gestos necesarios para tocar su instrumento en cuestión; esta crítica se acrecentaba aún más para aquellos músicos que hacían música sinfónica o de cámara, sólo a los directores de orquestas se les permitía alguna licencia al respecto.

La corriente social anti-gesto, anti-expresión corporal en definitiva, comenzaba a tener sus días contados porque los músicos y la sociedad comenzaban a aceptar con normalidad la “teatralidad” bien entendida que lleva implícita como su ADN una composición musical en su ejecución con el fin de trasladar de forma correcta la diferente gama de emociones que el autor ha vaciado en la obra.

Y, de este modo, no tardarían en aparecer músicos que todos identificamos con una riqueza gestual y expresiva bastante notoria: Leonard Bernstein (1918-1990), compositor, pianista y director de orquesta; Carlos Kleiber (1930-2004) por citar dos claros ejemplos de la dirección orquestal. Mitsuko Uchida (1948) y Friedich Gulda (1930-2000) por citar ejemplos de pianistas famosos y así, podríamos seguir repasando a diferentes solistas de todas las familias instrumentales cuestión que alargaría en demasía el propósito del presente trabajo.

Como en la vida no es fácil encontrar ese punto exacto que algunos filósofos llaman la “virtud”, resulta que algunos: intérpretes y por qué no, aficionados, se han pasado o pasan de rosca, dando lugar a lo que Eduardo Galeano llamó “la cultura del envase”(dar más importancia a lo superfluo que a la esencia del mensaje); de este modo, asistimos, en ciertos eventos musicales a ver una colección de gestos o mimos que casi nada tienen que ver con el contexto emocional que el compositor diseñó y cuidó para su obra. Harto frustrante resultan estas situaciones pero de ellas, lamentablemente, algunos sacan extraordinario rendimiento porque encuentran a públicos más ávidos de la ostentación y lo vano  que de lo realmente trascendente.

También sigue habiendo, quienes a pesar de la apertura a favor del gesto y la expresividad corporal, perseveran en continuar como adoquines en el escenario; pudiera ser que estos últimos hayan tomado conciencia de que combinar una excelente emisión de sonido con gestos y movimientos del cuerpo adecuados, es un arte que no se aprende tan fácilmente y en el que la genética tiene mucho que decir, siendo ésta la que falle en algunos casos, muy a pesar del esfuerzo que puedan emplear los docentes.

La música, para mí el más bello y grande de los lenguajes no admite el refranero popular que dice: “un gesto vale más que mil palabras”.

Pienso por tanto que en música, el gesto, la mirada, el movimiento, el cuerpo en definitiva, tienen que ir perfectamente armonizados con los sonidos, con el carácter de la obra, con las intenciones declaradas o escondidas del autor-compositor y si me apuran, hasta como decía al principio en la cita inicial Carl Philip Enmanuel Bach: acorde con el lugar en el que sucede el acontecimiento musical.

Como testimonio de mi identificación con un tipo de gesto musical razonable, elegante, mesurado, en el que nada es gratuito o superficial si no meditado control en los movimientos para que los oyentes puedan sacar el máximo rendimiento de la obra, os dejo con un recuerdo de Claudio Abbado en uno de sus últimos ensayos con los que el llamaba sus amigos, su Orquesta del Festival de Lucerna. Se cuenta, que en cierta ocasión aconsejó con estas palabras a un joven aspirante a la dirección orquestal: “si, de verdad quieres sentirte a gusto dirigiendo una partitura musical y conseguir que el público se implique en tu bello trabajo, aprende íntegramente de memoria la partitura. Tu memoria te permitirá entonces liberarte en el podio de la tiranía del papel y de este modo podrás dar rienda suelta a tus gestos y a toda tu expresividad”.

Abbado, esa filosofía practicaba casi al cien por cien, en pocas ocasiones se le veía con papeles en el atril y cuando lo hacía apenas los miraba. Esta herramienta o forma de trabajar, le permitía mirar a todos y cada uno de sus compañeros músicos a los ojos y con comedidos gestos, a veces una leve sonrisa, estimulaba a sus solistas o tuttis. Cuando la obra terminaba, dejaba reposar ampliamente el acorde final y no daba la cara al público hasta pasado unos segundos para que la música reposara y se interiorizara en todos los asistentes por igual.

Una manera de entender la música la de  Abbado, que algunos críticos, en ciertos momentos, tildaron de excesivamente fría e intelectual pero que cada día gana más adeptos y que hace escuela pues hoy, por ejemplo, son muchos ya los que aprenden de memoria sus obras y practican el importante silencio final previo a los posibles aplausos.

Finalizo, si estos razonamientos de un modesto aficionado, te movilizan para seguir profundizando en todas estas cuestiones, permítame que te sugiera la lectura de un magnífico texto, ilustrado además con una gran colección de vídeos que te harán más facil la comprensión de lo expuesto.  Se trata del libro: “El gesto expresivo del músico o cómo disfrutar de un concierto”. Autor: Albert Nieto. Editorial de Música BOILEAU.

 

                                                                       José Manuel Macias Romero

                                                                       Otoño 2016

 

Bajo el título ‘Yo en Navidad’, el artista actuará el próximo día 30 de diciembre acompañado por la Real Agrupación Artística de Valverde del Camino

El artista sevillano Manuel Lombo ha visitado hoy Valverde del Camino para presentar su concierto benéfico ‘Yo en Navidad’, en el que actuará acompañado por la Real Agrupación Artística de Valverde del Camino. La cita tendrá lugar el próximo 30 de noviembre en la Iglesia de Ntra. Sra. del Reposo de la localidad y todos los beneficios del mismo irán a parar íntegramente a las obras de restauración de la citada parroquia. Junto a él han estado el concejal de Cultura del Ayuntamiento de Valverde del Camino, Juan Fco. Alcaría, el presidente de la Real Agrupación Artística de la localidad, Luis Miguel Arroyo; y el párroco titular, Servando Pedrero.

Dicho concierto, único en la provincia de Huelva, tal y como ha comentado el titular de cultura, tendrá lugar en un marco incomparable, “nuestra Parroquia, uno de los referentes patrimoniales de nuestro pueblo, qué tan necesitada está de ayuda para poder iniciar estas obras de restauración, las cuales sin duda van a recibir un empujón importante gracias a la aportación que realicen todos los que acudan y por supuesto gracias a la colaboración desinteresada de este gran artista andaluz”.

En este sentido, Manuel Lombo ha mostrado su satisfacción por poder colaborar en un evento de estas características, “un concierto muy especial porque va a ser el último del año, y el último de una gira de conciertos que me va a permitir recorrer estos días parte de Andalucía junto a la coral valverdeña, con los que también actuaré en las catedrales de Córdoba y Málaga”.

Asimismo, el presidente de la coral valverdeña ha manifestado su agradecimiento a Manuel Lombo, “quién desde el primer momento no dudó en sumarse a esta causa de forma desinteresada, ofreciéndonos este concierto para poner su granito de arena en la recuperación del edificio más emblemático de Valverde que ahora necesita la colaboración de todos”.

Para terminar, el párroco de la localidad ha querido mostrar su agradecimiento a todos los que van sumando iniciativas y colaboraciones para que el sueño de iniciar las obras se haga realidad y al mismo tiempo hacer un llamamiento para que “disfrutemos de la música y vivamos a través de ella los valores que transmite la Navidad, los cuales seguramente encontraremos en las letras y la voz de Manuel Lombo durante el concierto”.

Las localidades ya pueden ser adquiridas en las oficinas del teatro municipal en horario de 9 a 14 horas, en el   correo Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. , también vía whatsapp en el Tlfno: ; así como en las sedes de las hermandades de la localidad. Los donativos de las mismas serán de 15, 20 y 30 euros.

MEJOR…QUE NO NOS OCURRA?

“En la vida, todo tiene una explicación razonable. Pocas cosas suceden de manera fortuita.”

                                                                           (Anónimo)

 

Pese a que nos encontramos en el siglo XXI, poco o mejor poquísimo, se habla del asunto que hoy os propongo.

Imagínese, aunque no le guste volar, que tiene por imperiosa necesidad que hacer un vuelo de ocho horas de duración. Cuando llega a su punto de destino y se encuentra ya y por fin, en la sala de recogida de equipajes, liberado del intenso y pertinaz ruido de los motores del avión durante las ocho horas de vuelo, se percata de que, con una nitidez y calidad de sonido asombrosa, está escuchando a Vivaldi; sí, sí a Vivaldi, a pesar de que a Ud., quien más le gusta es Serrat de quien sabe además de Mediterráneo, todas sus canciones.

Instintivamente, mira y vuelve a mirar para saber de dónde viene esa excelente música de Don Antonio: techos, paredes, columnas, aparatos que puedan estar emitiendo de otros viajeros, etc.

Instalado ya en el taxis que le conducirá a su hotel, toma conciencia y absoluto convencimiento que “La Primavera de Vivaldi” que no le abandona en sus oídos es cosa interna suya y comienza a preocuparse seriamente. La preocupación se torna en pura histeria cuando ve que no puede “pegar ojo” a consecuencia de los agradables sonidos de Don Antonio imitando a los pajaritos en su famosa Primavera; procura distraerse acudiendo al sintonizador de TV e incluso saboreando una infusión calentita de tila pero, al poco tiempo, vuelven a sus oídos las notas de las cuerdas que el Cura Rojo escribió para su Primavera.

Ha tenido la suerte de desembarcar en una ciudad muy interesada en la investigación médica del futuro porque en esa ciudad, los impuestos de los ciudadanos se emplean controladamente y bien; existe una poquita de corrupción política (porque dónde no?) pero en líneas generales el ciudadano sabe que su contribución es bien invertida y por tanto cae Ud., en manos de un excelente equipo médico multidisciplinar que, después de muchas pruebas, le diagnostica una “alucinación musical”.

Una “alucinación musical” sobrevenida como consecuencia de haber estado expuesto durante ocho horas al incesante ruido de los motores del avión en el que viajó.

El estrés auditivo que Ud., ha soportado durante el vuelo ha reavivado una vieja lesión cerebral que en definitiva es el origen físico de su síndrome alucinatorio. Esa fue la escueta explicación del Jefe del Equipo Multidisciplinar Médico.

Rebobinas en tu excelente memoria a largo plazo y evocas el recuerdo de aquella desafortunada caída que te sucedió cuando eras un niño desde lo alto de un muro, propinándote un buen golpe en el lateral izquierdo del cráneo que  rápidamente quedó en susto.

Esta hipotética historia, es tan real como la misma vida y cada día les ocurre a cientos de personas en el mundo; personas que sufren enormemente las consecuencias psíquicas y físicas de estas alucinaciones musicales  y que además, no quieren contar sus sufrimientos para que no les consideremos “locos”, no sean marginados social y laboralmente, etc., etc.

Hoy, este tipo de síndromes alucinatorios musicales, gracias a quienes como señalé anteriormente, se preocupan seriamente por la investigación, tienen, a veces curación definitiva o, en el peor de los casos, considerable mejoría en los tiempos de exposición a las melodías musicales que resultan en ocasiones irresistibles y peores aún y hablando en andaluz, cuando no son del “palo musical” que a un determinado enfermo le gusta.

 

Pero, por qué este titular: Mejor… que no nos ocurra?

Pues porque aunque pocos, pero se han dado casos en que los temas y estilos musicales que afloran en estas alucinaciones son tan buenos y se oyen en un estéreo tan fiable y además coinciden con los gustos de los enfermos que algunos de ellos han preferido quedarse con el síndrome para toda la vida ahorrándose además de las consultas, medicamentos y hasta la compra del mejor iPod posible; y … digo yo, ya tiene que gustarle la música para llegar a esa situación o, no?.

Finalizo, puede que este post haya despertado tu interés en este tipo de tema: música-enfermedades mentales; si así fuera, tienes a tu alcance profundizar leyéndole a Oliver Sacks su excelente obra MUSICOFILIA. 

 

En la foto, Don Antonio Lucio Vivaldi, conocido en Venecia y toda Italia por il prete rosso (el cura rojo) pero ojo!, no precisamente porque fuese de izquierda sino por ser pelirrojo. Este enorme compositor, violinista, pedagogo musical, empresario, etc, es el que he utilizado por sus famosas 4 estaciones y en especial “La Primavera”.

 

                                                       José Manuel Macías Romero

                                                        Verano de 2016.       

Bajo el título ‘Yo en Navidad’, el artista actuará el próximo día 30 de diciembre acompañado por la Real Agrupación Artística de Valverde del Camino

El concejal de Cultura del Ayuntamiento de Valverde del Camino, Juan Fco. Alcaría, junto al presidente de la Real Agrupación Artística de la localidad, Luis Miguel Arroyo; y el párroco Servando Pedrero, han presentado este concierto, cuya recaudación irá destinada íntegramente a las obras de rehabilitación de la Iglesia de Ntra. Sra. del Reposo.

Bajo el título ‘Yo en Navidad’, el artista sevillano ofrecerá el próximo día 30 de diciembre un concierto de villancicos andaluces, acompañado por la Real Agrupación Artística de Valverde del Camino. Dicho concierto tendrá lugar en un marco incomparable de la localidad, “nuestra Parroquia, uno de los referentes patrimoniales de nuestro pueblo, qué tan necesitada está de ayuda para poder iniciar estas obras de rehabilitación y recuperar así su esplendor”, ha trasladado Alcaría.

Asimismo, el presidente de la coral valverdeña ha manifestado su agradecimiento a Manuel Lombo, “quién desde el primer momento no dudó en sumarse a esta causa de forma desinteresada, ofreciéndonos este concierto para poner su granito de arena en la recuperación del edificio más emblemático de Valverde que ahora necesita la colaboración de todos”.

Para terminar, el párroco de la localidad ha querido agradecer también la implicación del Ayuntamiento, de la Real Agrupación Artística y de de los valverdeños en la recaudación de fondos para esta causa, “es enorme la creatividad a la hora de desarrollar iniciativas que se están llevando a cabo en Valverde, algo que hace que el inicio de las obras esté cada día más cerca y que sean pocos los valverdeños que se vayan a quedar sin colaborar”.

Las localidades ya pueden ser adquiridas en las oficinas del teatro municipal en horario de 9 a 14 horas, en el   correo Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. , también vía whatsapp en el Tlfno: ; así como en las sedes de las hermandades de la localidad. Los donativos de las mismas serán de 15, 20 y 30 euros.